Franz Joseph Haydn: El Padre de las Formas Clásicas

Franz Joseph Haydn cultivó todos los géneros. Es el padre de la sinfonía, del cuarteto de cuerda y la sonata por su calidad y productividad. Su obra es una suma de gracia galante y de la inquietud prerromántica que aún se estaba desarrollando. No hay contraste de tiempo, sino variaciones de células motívicas. Su sonata es monotemática. Estuvo siempre bajo el sistema de patronazgo. Las sonatas para piano son el punto de arranque en Haydn, con precedentes en C.P.E. Bach.

Las Sinfonías de Haydn

Hay catalogadas 108 sinfonías. Se mantiene la catalogación original, que no corresponde cronológicamente con la fecha de las sinfonías. A partir de 1780 es cuando se sigue con coherencia. Son de gran imaginación y elegancia y sirven de modelo para Beethoven. Otro compositor coetáneo a este es Clementi, por lo que aparecen comparaciones con Haydn. El texto musical requería a Haydn debido a la posición que ocupaba, pero en la composición de óperas sigue las tendencias del momento.

Periodización de las Sinfonías

Antes de 1760: Etapa de Aprendizaje
  • Mantenimiento de la música popular.
  • Idea de autodidacta como compositor y autor.
  • Son sus años de aprendizaje con una etapa muy libre donde trabaja para el Conde Morzin.
  • Estilo preclásico o galante, con tres o cuatro movimientos, con el minueto en segundo o tercer lugar.
  • Formación orquestal sencilla, con refuerzo de los instrumentos de viento.
  • Composición sistematizada que refleja el periodo entre el Barroco y el Clásico.
1760 a 1770: Mayor Producción
  • Se encuentra con una orquesta amplia y sistemática.
  • Mayor producción de sinfonías debido a su cargo.
  • Las sinfonías son a cuatro movimientos (Allegro, Andante, Minueto, Presto final).
  • Con una orquesta muy numerosa, se topa con instrumentistas muy virtuosos.
1770 a 1780: El *Sturm und Drang*
  • Una parte de estas sinfonías corresponden al movimiento *Sturm und Drang* (Tormenta e Ímpetu).
1780 a 1790: Plenitud Compositora
  • Toda la plenitud de su composición.
  • Cuatro movimientos.
  • Obedecen a encargos particulares o externos, para un público mayoritario.
  • La conformación de la sinfonía. Material más definido, con una orquestación mucho más definida.
  • Queda reflejado que la antigua sinfonía está pasada de moda.
1791/92 a 1794/95: Afirmación de la Creatividad
  • Plasma todo lo aprendido y la afirmación de su creatividad.
  • Reaparición de todos los elementos.
  • Todas las sinfonías son más originales e independientes.
  • Aparecen caracteres muy majestuosos, todas con introducción.
  • Mayor sustancia en detalles de orquestación, y de mayor tamaño.
  • Separación de violonchelos y contrabajos.
  • Las trompetas no doblan trompas.
  • El viento se independiza de la cuerda y empieza a recibir protagonismo.

Cuartetos de Cuerda

En la catalogación de Hoboken, cifra los cuartetos de cuerda con el número III. Hay cuartetos que Hoboken se los atribuye a Haydn, pero ni mucho menos le pertenecen, como por ejemplo el Op. 3. También hay que añadir que los *opus* suelen agruparse de seis en seis piezas, excepto algunos que lo hacen de tres en tres. A partir de 1760, la forma del cuarteto de cuerda, así como la de la sinfonía, evolucionarán notoriamente. Dado que a partir de esta fecha, progresivamente, se crea la agrupación de cuatro voces, sin el bajo continuo.

Asimismo, las primeras muestras de cuartetos no se presentaban con el nombre propiamente dicho de cuarteto, dado que las ediciones insertaban un bajo continuo a las piezas, porque en esta época no se concebía nada sin que tuviera un bajo continuo. Por otra parte, Haydn otorgaba individualidad a las voces, de forma contrapuntística. El Op. 20 (1772), el llamado *Sol*, establece de forma definitiva el cuarteto. Los cuatro instrumentos ya aparecen completamente independientes, y adquiere importancia el contrapunto.

Los Op. 33 (1781), conocidos popularmente como los *Cuartetos Rusos*, porque en su estreno había un diplomático ruso en la sala. Estos cuartetos, que influenciarían a Mozart en gran medida, son el punto de referencia del Clasicismo. Aquí Haydn utiliza el nombre de cuarteto por primera vez. A finales de la década de 1780, Haydn ya estará absolutamente consolidado como gran sinfonista. La figura de mayor representación del Clasicismo, en el ámbito de los cuartetos de cuerda, es Haydn. Por otra parte, Luigi Rodolfo Boccherini también fue un gran precursor de la forma del cuarteto de cuerda, aunque hizo su carrera en España.

Oratorios

Cultivó todos los géneros a causa de sus encargos, entre ellos el Oratorio y la Misa. Los Oratorios impactaron, entre ellos el de “*La Creación*” y el de “*Las Estaciones*”. Describía imágenes según un argumento.

El Clasicismo Musical

Hace referencia a la música del periodo que se extendió aproximadamente desde las últimas décadas del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX. Incluye los trabajos de Haydn y Mozart y algunas obras de Beethoven.

Características del Clasicismo

  • Textura más ligera y clara, menos complicada que la música del Barroco.
  • Tendencia general a la homofonía sin olvidar el contrapunto.
  • Se da importancia a la proporción, moderación y control; música de carácter pulido y elegante con equilibrio perfecto entre expresividad y estructura formal.
  • Gracia y belleza de las líneas melódicas, definidas por contornos claros y regulares.
  • Los compositores clásicos utilizan variedad de contrastes melódicos, rítmicos, tonales, dinámicos, de timbre y de carácter, a diferencia de los del Barroco, quienes habían procurado que una pieza se mantuviera dentro de una misma atmósfera desde el comienzo hasta el final.

Instrumentación y Formas

  • La orquesta crece, con plantilla estable, aumentando las cuerdas e incorporándose el clarinete y la percusión.
  • El continuo del teclado cae en desuso.
  • El piano reemplaza al clave por tener más capacidad expresiva; la textura de las primeras obras para piano es ligera, pero poco a poco se enriquece y profundiza hasta adquirir mayor potencia y sonoridad (piano orquestal).
  • Predominio de la música instrumental: sonata, sinfonía, concierto, cuarteto de cuerda.
  • Las principales obras vocales fueron misas y óperas.
  • La forma sonata constituye una innovación en la estructura formal, de inspiración dramática, y se utiliza siempre para formar el primer movimiento de todas estas obras.
  • La música se separa de la voz y es capaz de expresar por sí misma lo que representa la obra.

El Periodo Barroco

El Barroco no es un periodo uniforme, podemos dividirlo en diferentes etapas:

  • Barroco Inicial (1600-1620): Estilo monódico y recitativo.
  • Barroco Medio (1620-1680): Surge la tonalidad.
  • Barroco Tardío (1680-1720/1730): Se consolida la tonalidad, aparecen conciertos, idea de horizontalidad mezclada con verticalidad, aparece el contrapunto, complejidad en la textura, idea de acorde. Algunos teóricos dicen que el Barroco termina cuando desaparece el bajo continuo.
  • Estilo Galante (1720-1730).

Por Barroco se entiende el periodo de la cultura occidental que sigue al Renacimiento. Entre el Renacimiento y el Clasicismo transcurre un estilo denominado Manierismo, considerado subjetivo e inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. El Barroco ocupa el siglo XVII y parte del XVIII (hasta 1750, con la muerte de J.S. Bach). Este periodo no es uniforme, es largo y surge especialmente en dos centros: Florencia y Venecia.

Los teóricos del Neoclasicismo entendían por Barroco el arte que se caracteriza por una degeneración del Renacimiento, un estilo elaborado el cual busca la grandiosidad, efectos violentos por medio del claro-oscuro. Para ellos se trataba de un estilo decadente, confuso, no natural, excesivo y extravagante. Consideraban que era difícil de entender y siempre desde un punto de vista peyorativo, ya que el Barroco perdió la uniformidad y equilibrio del Renacimiento.

Características Musicales del Barroco

  • La música en el Barroco era expresiva, dinámica, emotiva con el objetivo de llamar la atención mediante adornos y virtuosismo.
  • Es una etapa experimental necesaria para la base del Clasicismo.
  • Es un estilo expresivo que es capaz de establecer emociones y pasiones.
  • Nace el estilo recitativo que originará la ópera.
  • El repertorio que se crea incluye la idea de sinfonía, concierto, suite, etc.
  • También nace la música puramente instrumental, incluso para un determinado instrumento; antes solo había música vocal porque la palabra prevalecía sobre la música.

Contexto Histórico

Podemos decir que es un siglo de crisis económica, política, social y espiritual.

  • La crisis política es debida a que se afianza la monarquía absoluta, esto crea problemas en Europa entre la centralidad y el mantenimiento del poder a los nobles, como en la Guerra de los Treinta Años.
  • Esto produce incrementos de impuestos para, por ejemplo, crear un ejército público o pagar la administración del estado.
  • También hubo una crisis demográfica a causa de enfermedades, epidemias, guerras, etc.
  • Y por último, una crisis espiritual entre católicos y protestantes que llevó a guerras de religión.

El Barroco es un arte que surge en la iglesia, es un arte de “propaganda” de los intereses del poder civil (monarquía) y poder religioso (Iglesia Católica).

Barroco Medio (1630-1680): El Auge de la Ópera

En el Barroco Medio hubo grandes aportaciones revolucionarias respecto a la música vocal. Además, se creó un lenguaje propio y diversificado en la música instrumental, también a la hora de componer se crean obras específicas para música instrumental, incluso para instrumentos específicos. Hubo también la posibilidad de transferencia de formas de un instrumento a otro vocal o la transcripción de un concierto a un instrumento polifónico. Ya no se componía dos veces, sino directamente un concierto dirigido a instrumento polifónico. También, este periodo fue importante porque es el inicio de la idea de la futura ópera. Se basan en un estilo recitativo monódico en la música vocal. Esto posteriormente influirá en la música instrumental, por ejemplo, en la forma sonata.

Los compositores que continuarán la ópera veneciana a partir de Monteverdi fueron Cavalli, Cesti y Steffani. La consolidación de la ópera barroca se llama “ópera seria”. Aunque la ópera italiana era cómica, no buscaba lo cómico sino el espectáculo. Este tipo de ópera es propia de la época barroca, es decir, del siglo XVII. Posteriormente, en el siglo XVIII habrá otro tipo de ópera llamada “ópera buffa”.

Tipos de Ópera Seria

Existen dos tipos de ópera seria: la comercial y la cortesana.

  • La ópera cortesana era exclusiva para esta clase social y la gente del pueblo no podía ir a verla a no ser que estuviera invitada. Poseía grandes escenarios y un gran espectáculo, así como un gran presupuesto. Siempre aparecían héroes que trataban temas de amor, fidelidad u honor. Se trataba de representaciones alegóricas de los propios nobles que pagaban y organizaban estas fiestas.
  • La ópera comercial nace en Nápoles, Londres, Venecia, etc., a partir de que la nobleza baja con menos recursos también quería disfrutar de este espectáculo. Se producirá una constante renovación de las obras.

La ópera cortesana tenía más presupuesto, lo que generaba diferencias. Por ejemplo, la cortesana contrataba a coros, más músicos, mejores cantantes que la comercial no se podía permitir. Lo más caro era la escenografía y cantantes importantes (castrati).

La Figura del Castrato

En el Barroco Medio surgió la figura de los castrati. Son característicos del periodo barroco. Fue en Italia donde hubo la primera producción de castrati. Surgieron por razones religiosas, ya que la iglesia prohibió la existencia de mujeres cantantes. Los castrati se encargaban de interpretar papeles femeninos o heroicos. Tenían una gran fama y una posición alta en las clases sociales. Fueron una gran inversión porque introdujeron la enseñanza musical en coros. Eran considerados sopranos naturales ya que tenían una voz infantil y natural, mientras que los que no estaban castrados eran sopranos artificiales.

Características de la Ópera Italiana

  • Concentración en el canto solista en las arias y desprecio de dúos, tríos o coros.
  • Separación aria y recitativo.
  • Hay dos tipos de recitativo en la ópera italiana: el recitativo *secco* (muy silábico y declamado con un simple acompañamiento, generalmente al clave con acordes) y el recitativo *accompagnato* (el cual tenía más acompañamiento orquestal, más melódico, menos declamado y arioso).
  • Cambio en la jerarquía musical: se le concede menos importancia al texto.
  • Se empiezan a distinguir los estilos nacionales (italiano y francés, posteriormente el alemán).

Estilo Francés: La Tragedia Lírica

Al llegar a Francia, la ópera italiana fue rechazada y crearon su propio estilo operístico. Este tipo de ópera francesa se consolidó en el reinado de Luis XIV, el Rey Sol. Proviene de la unión del ballet de corte, el cual era un espectáculo muy variado, y el teatro clásico francés como el de Corneille y Quinault. Esta unión dará lugar a la tragedia lírica u ópera francesa.

  • Se caracterizará por responder al sistema monárquico absolutista, piramidal y centralizado.
  • Las asociaciones que se encargarán de enaltecer a la monarquía serán las academias.
  • El encargado de dicha unión, así como el encargado de dirigir la Academia Real de la Música, será Lully.

Lully traicionó a Molière y fue solo a pedirle a Luis XIV el privilegio del control sobre la música. En 1672, Lully recibe este privilegio y controlará todo el monopolio musical francés. Los temas de este estilo eran sobre todo mitológicos e históricos. Tenían unas partes de la estructura fijas:

  • La obertura francesa.
  • El prólogo en alabanza al rey.
  • Desarrollo del drama en cinco actos.

Las óperas de este estilo son más extensas que las del estilo italiano. La obertura tiene la misma función que la sinfonía italiana: sirve como aviso de que la ópera va a comenzar. El argumento está más cuidado y coherente que las italianas, basándose en el teatro francés. Las arias no serán tan virtuosas y por ello no existirá nunca la figura del castrato. El *aria da capo* tenía una estructura A B A, en la última parte los cantantes improvisaban de forma muy virtuosa para enseñar sus destrezas. Cada vez, los recitativos serán más declamados. Hará poco uso del recitativo *secco* y más del acompañado o arioso. La plantilla es más variada que en la ópera italiana. Además, usarán coros y la orquesta tomará importancia. Por ejemplo, habrá partes solamente instrumentales. Además, este hecho y el que Lully introdujera ballets, los cuales se independizan de la ópera a la cual pertenecen, provocará el nacimiento de la Suite Orquestal.

Estilo Inglés: La *Masque*

En Inglaterra no se llegó a representar la ópera italiana a causa de la guerra civil (época de Cromwell), fue una guerra entre los partidarios de la monarquía contra los republicanos y en la cual hubo mucha censura de todo lo proveniente de fuera del país. Por tanto, los ingleses tuvieron también su propio estilo. El principal compositor de este estilo fue Purcell con su obra “*Dido y Eneas*”. Se trata de una expresión de música inglesa con valor dramático y armónico. Se estrenó en un internado de niñas y recoge una síntesis de los estilos francés (obertura) e italiano (melodismo). El “*Lamento de Dido*” es el más famoso.

Además, se creó el género de la *Masque*, que era un espectáculo musical parecido al ballet de corte francés. Contenía elementos variados, escenas teatrales, danzas e interludios instrumentales. Se llamó *Masque* porque llevaban máscaras. La última danza es la llamada “*main dance*”. Era un baile para cortesanos. Se desarrolla y mantiene en la época de Cromwell. En la Restauración, a causa de que Carlos II estuvo en Francia, plantea la reorganización de la capilla real. Se lo encargó a Henry Cook. Un músico importante fue John Blow y nos da una primera muestra de un ejemplo de una posible ópera, “*Venus y Adonis*”. Se muestra la influencia francesa por su obertura. Después, fue sustituido por Purcell, quien experimentó todo tipo de estilos, fue músico cortesano y desarrolló la música para obras teatrales.

Música Instrumental Barroca

Surgirán distintos tipos de sonatas. Estas tendrán pocas voces, y participarán hasta cuatro instrumentos. La Sonata Barroca Italiana estará influenciada por la monodia y la danza. Estarán pensadas como una voz solista y un bajo continuo interpretado por un clave, violonchelo o viola da gamba. El instrumento solista sería el violín.

Tipos de Sonatas

  • Sonata a dos (*Sonata a due*): Violín y bajo continuo.
  • Trío Sonata (*Trio Sonata*): *Tutti* frente a un grupo reducido. Dos violines y bajo continuo. Diálogo entre dos violines, y mínimo cuatro instrumentos.
  • *Sonata senza continuo*: Sonata para solo un instrumento, sin bajo continuo.
  • Sonata solística: Es la que recoge mejor el estilo monódico y virtuoso con pasajes ornamentados y grandes saltos.
  • Sonata a tres: Ampliación de sonata a dos.
  • Sonata de cámara: Se basaba en danzas y era propia para nobles, salones y estilo profano. El primer movimiento era allegro seguido por una serie de danzas especificadas.
  • Sonata de iglesia: También se basa en danzas pero eran interpretadas en la iglesia. El primer movimiento era lento y después venían las danzas. En este tipo de sonata no se especificaba la danza.

Un compositor de este periodo fue Corelli, el cual destaca por sus sonatas y como iniciador del futuro *concerto grosso*.

El Estilo Francés Instrumental

El estilo francés de la música instrumental era básicamente solístico (laúd, clave, viola). Destaca el estilo característico del clave influenciado por el laúd. Esto influenciará en el Barroco Tardío el estilo Rococó. Se sigue desarrollando la danza en la música instrumental. El laúd sufrió un gran desarrollo. La época más significativa del laúd había sido en el Renacimiento. En Francia tuvo importancia desde un punto de vista social ya que era un instrumento de nobles. La calidad y cantidad de producción demuestra esta importancia.

En el Barroco Inicial las partituras para laúd eran transcripciones de la música vocal, en cambio, en el Barroco Medio son pensadas exclusivamente para el instrumento. Además, crean un lenguaje específico para laúd por sus distintas características. Al no tener gran sonoridad y al no poder realizar distintas voces, esbozan la melodía y armonía en diferentes registros y en diferentes partes del compás, esto provocaba una sensación de continuidad (arpegiado). También, le añadieron ornamentación y así es como se paliaba la escasa sonoridad. Este estilo y técnica interpretativa es el llamado estilo quebrado (“*style brisé*”). Los más representativos fueron la dinastía de los Gaultier.

Las colecciones de esta música se dan en el género de la danza con la característica francesa de que todas llevan un título, es decir, se trata de música descriptiva. Otro género fue el del *tombeau*, son piezas que se dedican en memoria de algún personaje como “*Tombeau de Couperin*” de Ravel. Este estilo después de estar dedicado al laúd pasa al clave ya que pretenden crear también un estilo propio. Cuando se adopta el estilo quebrado, el clave potencia una diferencia de la técnica compositiva e interpretativa entre el clave y el órgano. La escuela clavecinista fue iniciada por Chambonniere. A partir de aquí, en Francia la música para laúd empieza a declinar y el instrumento dominante es el clave. Cabe destacar que en Francia la suite también recibía el nombre de *ordre*. Los compositores más importantes fueron Couperin, D’Anglebert y Marin Marais. Posteriormente estos estilos pasan a Alemania gracias a Froberger.

Barroco Temprano (1580/1620-30)

Podemos hacer hincapié en el surgimiento de la ópera, que será en gran medida responsable del cambio hacia el bajo continuo que apoya a una voz solística. El Barroco nace en Italia. El primer impulso son la ópera y las ideas del Concilio de Trento. Dentro de Italia hay dos lugares importantes: Florencia (lugar que tuvo mayor impulso el drama musical y estilo monódico solístico recitativo, es decir, la ópera) y Venecia (donde se impulsa el género instrumental y la forma de concierto).

Características de la Música Vocal Temprana

  • Coexistencia de polifonía y monodía.
  • Cambio en el ámbito vocal.
  • Bajo continuo (también recibe el nombre de bajo cifrado).
  • Estilo monódico.
  • Aparición del contrapunto.
  • Interpretación exagerada de textos, ya que son lo principal en las óperas.
  • Armonía de carácter tonal.
  • Lenguaje para la música vocal y otro para la instrumental.

El bajo continuo también recibe el nombre de bajo cifrado, donde se esperaba que el intérprete fuera capaz de realizar el bajo de forma intuitiva e imaginativa. Otra variante es el bajo ostinato, que es una figuración repetida de una fórmula.

El estilo monódico o recitativo dio paso a la ópera, aunque antes, desde la antigüedad, ya estaba asociado a la música y al teatro. En el Barroco, además, no había subjetividad ni por parte del compositor ni por parte del oyente. También nace la teoría de los afectos, que ocupa dos disciplinas, la retórica y la oratoria. Existe una relación entre la música y las emociones. Nace de algunos filósofos como Descartes o Hume. Tenían los objetivos de racionalizar las emociones y establecer mediante un código un perfil. Figuras como la dinámica conseguirán este afecto.

La *Camerata Bardi* y el Nacimiento de la Ópera

En Florencia existía una reunión de músicos, literatos, artistas, filósofos, etc. Algunos de ellos fueron Peri, Caccini y Galilei. Estaban subvencionados por nobles. En la *Camerata Bardi* de Florencia, se empieza a discutir la necesidad de un cambio porque dicen que el texto no se entiende bien. Querían retomar ideas renacentistas, intentando recuperar de este modo la tragedia clásica. La conclusión a la que llegan es que todos los efectos que se conseguían en la época clásica era porque solo había una única voz que cantara y así la idea del texto se transmitía mejor, ya que la polifonía hacía imposible la comprensión del texto.

Por ello, Peri compone una obra llamada “*Euridice*”, la cual se considera el antecedente de la ópera. Había dos versiones, de Peri y de Caccini, pero solo se conserva la de Peri. Es la primera muestra de estilo recitativo. Aunque antes compone “*Dafne*”, solo se conserva el libreto. En este nuevo estilo monódico que defienden, había una jerarquía: lo más importante era la palabra, en segundo lugar el ritmo y por último el sonido. Este proceso culmina con el “*Orfeo*” (1607) de Monteverdi. Usará el estilo recitativo con música polifónica. En el prólogo el texto pasa a ser el segundo plano, el personaje se interpreta por la música y no por el texto. La música poseía mucho más color y se trata de una obra mucho más compleja que, por ejemplo, la de Peri.

Artusi generó una polémica contra las ideas de Monteverdi, Galilei o Caccini. Artusi decía que el nuevo estilo no respetaba las reglas establecidas. Tampoco estaba de acuerdo en que en la música hubiera disonancias. No va en contra de las innovaciones técnicas, sino que va en contra de que los nuevos compositores desprecien la belleza de la música y favorezcan a la expresión.

Música Instrumental Temprana

Existe una diferenciación entre música vocal e instrumental. La música es más compleja y difícil de interpretar, eso hace que no haya tantos músicos aficionados y sean más profesionales. En la primera mitad del siglo XVII las formas musicales que había eran herencia del Renacimiento. Las formas esenciales son variaciones de formas del Renacimiento.

Formas Instrumentales Esenciales
  • Motete: Forma religiosa polifónica, deriva del *ricercare* (se buscaba algo concreto), carácter serio con notas prolongadas, normalmente para órgano, textura contrapuntística imitativa. Dos tipos: politemático y monotemático. Compositores importantes: Frescobaldi y Gabrieli.
  • Canzona: Italianización de la forma profana “*chanson*”, deriva de sonar, no tiene carácter serio (ritmo animado y alegre), secciones armónicas e imitativas, ritmo estereotipado, contrastes de sonoridades, anticipan la idea de concierto. Hay dos tipos: uno de muchas voces y otro de pocas voces.
  • Música de Danza: Herencia del Renacimiento, antes se llamaban “par variado”, danzas sociales para ser bailadas. En el Barroco se aplican a la música instrumental como: allemanda, giga, sarabanda, gavota, courante, etc.
  • Formas Libres: Forma instrumental autónoma, sin ninguna forma existente y de carácter improvisado. Para un solo instrumento solista como laúd o clave. Mucho virtuosismo. Ejemplos: Tocata, Preludio, Fantasía.
  • Variación: Se encuentra en cualquier género, recurso en fugas, sonatas, danzas, etc.

Barroco Tardío (1680-1730/1750)

Se conoce este periodo como la conclusión de los desarrollos producidos durante el siglo XVII. En esta etapa la tonalidad queda totalmente consolidada, el contrapunto viene regido por la armonía y además se establecen las grandes formas instrumentales. Los compositores que nacen al final del siglo XVII y aún se mantienen activos al principio del siglo XVIII son: Vivaldi, Scarlatti, Haendel, Bach, etc.

Cabe destacar que hay señales de un cambio decisivo. Se piensa que el estilo barroco es recargado y se quiere volver a la sencillez. Por eso, hay un deseo de cambio para conseguir una música más alegre, sencilla que llegue a más gente. Además, las grandes obras coincidirán con el inicio del Clasicismo y el Estilo Galante. En este momento ya están plenamente establecidos los estilos nacionales.

Síntesis de Estilos Nacionales

  • El estilo francés, con sus pautas colorísticas, su obertura, estilo propio del clave y una disciplina orquestal.
  • El estilo italiano que se caracteriza por las formas de concierto, sonatas y por supuesto el *bel canto* (la ópera).
  • Un tercer estilo es el alemán, el cual busca la síntesis del estilo francés e italiano. Lo que aporta este estilo es una solidez. Esta síntesis culminará en Bach.

Además, por fin habrá una distinción entre la música de cámara y orquesta, ya que hasta ahora no había demasiada diferencia. Por otra parte, a finales del siglo XVII, es cuando aparece gracias a Corelli el concierto que se convertirá en el estilo más importante de la música instrumental.

Tipos de Concierto

Los tipos de concierto que había eran: el solista, el *grosso* y el de grupo, que es el precedente a la sinfonía. A quien se le atribuye estos cambios de concierto es a Corelli, en el *concerto grosso*, y a Torelli, en el concierto solista. Después del Barroco, el *concerto grosso* y el del grupo serán sustituidos por la sinfonía.

El *Concerto Grosso*

Corelli fue el iniciador del *concerto grosso*. Había dos formas orquestales: el *tutti* o *ripieno*, y el *concertino soli*. La idea de *concerto grosso* en Corelli pretende contrastar estas dos formas. El *concertino* está formado por la trío-sonata. Lo que pretende Corelli es contrastar ambas sonoridades, la fuerte del *tutti* y la más débil del trío. Corelli no crea ningún nuevo esquema orquestal, no existe diferencia temática, solo busca el contraste entre sonoridades. El *concerto grosso* podía ser de cámara o de iglesia. Al llegar el Estilo Galante, el *concerto grosso* desaparecerá.

El Concierto Solista

Se mantendrá y desarrollará el estilo propio del concierto solista, hasta llegar a lo que conocemos actualmente por concierto. Ideas del concierto solista: forma ABACA, con modulaciones. El instrumento más destacado será el violín que será el instrumento solista. Otros instrumentos solistas son la flauta, el oboe y la trompeta. El clave no se plantea como instrumento solista sino como de bajo continuo. En el caso del órgano se produce la misma situación que la del clave. Haendel será el primer compositor que componga una obra en el que el instrumento solista sea el órgano. El concierto solista hará olvidar cualquier concierto orquestal con la trío sonata. En Vivaldi hay mucho color, es muy experimentador, mucha música instrumental, mucha música solística. Su música anuncia un género más alejado del Barroco ya que es más “risueño”, es decir, más galante. Es un precursor de la sinfonía.

Los *Conciertos de Brandeburgo* de Bach

Pertenecen a la época en que Bach estaba en la corte. Son conciertos experimentales y atrevidos. En cuanto a la textura son más complejos que los de Vivaldi. Son seis *concerti grossi*. Bach experimentaba con la combinación de los instrumentos. El número seis, por ejemplo, tiene más carácter de concierto de grupo y se caracteriza por la sonoridad grave y sombría ya que no hay violines. Bach experimenta en la diferenciación tímbrica (*tutti* y *concertino*) y no en la diferenciación temática (a diferencia de Corelli).

Estilo Galante y Estilo Sentimental

Estilo Galante

La expresión de este estilo es un poco imprecisa y es un estilo opuesto a lo que era considerado antiguo. Tiene su origen en la época de Luis XIV. Empieza a surgir del término barroco “Rococó”. Se trata de un estilo de carácter cortesano y recargado. Busca la ruptura con el Barroco, por ello, posee ideas contrarias en cuanto a la concepción musical. Tras la muerte de Luis XIV el estilo perdurará aunque sufrirá cambios. En vez de ser cortesano será más íntimo, alegre y divertido con emociones más humanas. Es un estilo ligero, divertido, pícaro, poco solemne, superficial y sin sentimientos. Su objetivo era atraer a un gran público mediante una música sencilla y natural. El concierto solista, la *ópera buffa* y la sinfonía serán sus formas más representativas por excelencia. Compositores: Scarlatti, Rameau.

Características del Estilo Galante
  • Abandono de la polifonía.
  • Resalta la línea melódica (melodía acompañada).
  • Melodías basadas en motivos.
  • Armonía muy sencilla.
  • Abundancia de adornos pero sin exceso.
  • Longitudes simétricas y equilibradas, claridad.
  • Motivos contrastantes, variedad de estados de ánimo.

En el siglo XVIII, el estilo instrumental está totalmente asumido, esto se plasmará con la forma sonata aunque encontrarán nuevos elementos como el timbre. Surge una nueva tipología de ópera, la *ópera buffa* con argumentos cotidianos, cercanos a la sociedad de la época.

Estilo Sentimental (*Empfindsamer Stil*)

Este estilo surge en 1760 en Alemania. Es un estilo rebuscado, de expresión más personal, más íntimo, no dirigido al gran público, sin intención galante.

Características del Estilo Sentimental
  • Melodías angulares y amplias.
  • Gran variedad métrica.
  • Frases asimétricas.
  • Cromatismos frecuentes.
  • Modulaciones alejadas de la tónica.
  • Textura compleja.

Será aún más sentimental al verse influido más adelante por el estilo literario “*Sturm und Drang*”. Anunciará el estilo romántico en el ámbito germánico. Los exponentes recibirán el nombre de los “atormentados”. Máximo exponente: C.P.E. Bach.