El Art Decó en Nueva York: Un Estilo Emblemático

El Art Decó fue la arquitectura dominante en la primera mitad del siglo XX, con Nueva York como su lugar más característico. El nombre fue acuñado por historiadores en la década de los sesenta, inspirándose en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París de 1925 (que, en realidad, fue de carácter nacional). Este periodo arquitectónico podía presentar una decoración abundante o minimalista. Los arquitectos de este estilo lo denominaban «arquitectura moderna» o «estilo Jazz», caracterizándose por el uso de retranqueos.

Estudio sobre la Zoning Law: Hugh Ferriss y la Regulación de Rascacielos

Los rascacielos generaban problemas en la ciudad. Los ciudadanos compraban parcelas y construían edificios de varios pisos para alquilar, alcanzando grandes alturas. Esto afectaba a la ciudad, ya que la luz no llegaba a las calles y se generaban fuertes corrientes de aire debido a la cercanía de la bahía, lo cual era peligroso. Para regular las alturas de los edificios, las autoridades crearon una ley que fue aprobada en 1916. Esta Zoning Law establecía que, dependiendo de la parcela, se podía construir en toda su extensión, pero a partir de cierta altura, el edificio debía comenzar a retranquearse hacia atrás.

Los arquitectos se desconcertaron, acostumbrados a construir de forma racional, y comenzaron a buscar soluciones, muchas de las cuales resultaban grotescas. En 1922, cuando ya se habían construido varios edificios bajo esta ley, Hugh Ferriss, un arquitecto de formación que se dedicó al dibujo (casi siempre sus obras eran nocturnas), fue contratado para visualizar edificios y prever su impacto. Se hizo rico como visualizador. En sus obras, Ferriss mostraba el volumen del edificio y cómo impactaría si se construyera siguiendo la ley al pie de la letra. Propuso un método de diseño con cuatro normas, la última de las cuales implicaba la excavación de la masa para crear patios de ventilación y luz, y la incorporación de elementos que generaban terrazas aprovechables, todo ello con una estética particular.

El Chrysler Building: Un Icono Exuberante de William Van Alen

El Chrysler Building, obra de William Van Alen, es un edificio exuberante y el más famoso de esta estética. Su estructura de acero está revestida con ladrillo y las fachadas se aplacan con piedra, el material más caro. Destacan sus elementos decorativos:

  • Bandas horizontales y verticales.
  • Águilas (insignias de los automóviles Chrysler).
  • Retranqueos.
  • Elementos metálicos con forma curva.
  • Puntas de flecha entre las ventanas.

El vestíbulo, muy decorado por ser un punto de contacto, es triangular con tres entradas y un techo iluminado. Se percibe como un espacio oscuro, considerado un templo, con una imagen trascendental. La iluminación indirecta genera líneas rectas que definen la forma, y las columnas sin capitel dan la impresión de fundirse con el techo.

El Empire State Building: La Verticalidad en Midtown

Diseñado por Shreve, Lamb and Harmon, el Empire State Building, ubicado en Midtown, es famoso por haber sido el edificio más alto durante mucho tiempo, destacando por su altura y su carácter central en Nueva York. La antena fue proyectada inicialmente para permitir el amarre de dirigibles, pero las pruebas demostraron que el viento lo hacía inviable, y nunca se llegó a realizar. Es un edificio protagonista en numerosas películas.

En él se aprecia claramente el sistema escalonado de la Ley de Zonificación, su marcada verticalidad, el revestimiento en piedra y las ventanas lisas sin decoración. En el interior, un vestíbulo espectacular presenta cuñas y rayas en el suelo, culminando con una representación metálica del propio Empire State. Los materiales son de alta calidad y lisos, la iluminación indirecta le confiere un carácter de templo, y el techo exhibe una representación estelar. Las pasarelas volantes metálicas y el lenguaje Art Decó son evidentes. Aunque su exterior fue más económico que el del Chrysler Building, su interior es considerado superior, con medallones que abordan temas del progreso (tecnología, electricidad, ascensores) y una estética Art Decó de formas depuradas, combinando piedra y metal.

El RCA Victor Building: Homenaje a la Electricidad

El RCA Victor Building, de Cross & Cross, fue construido para una compañía eléctrica y es mucho más pequeño que los anteriores. Se adapta a la Ley de Zonificación, dándole un carácter distintivo. En la cúspide, rayas o llamas (al estilo gótico) rinden homenaje a la electricidad y el progreso. En el exterior, pequeños elementos también evocan la electricidad. La imagen simbólica de la energía se representa con un mono con el puño, expresado en piedra, ladrillo y metal, un elemento moderno.

El American Radiator Building: La Obra Maestra de Raymond Hood

Raymond Hood, una figura muy especial en la arquitectura y el diseño de Nueva York, mostró un estilo muy definido desde sus primeras obras. El American Radiator Building no es excesivamente alto y está afortunadamente situado junto a Bryant Park, en la Calle 42. Este edificio volvió a ser famoso recientemente por el diseño de su interior a cargo de David Chipperfield.

Hood siempre buscó innovar y cambiar en sus edificios, respetando la forma escalonada. Sus características distintivas incluyen:

  • Es un edificio negro, algo muy poco habitual, que contrasta con elementos decorativos dorados que brillan al sol.
  • Esta combinación cromática le otorga una imagen simbólica de fuente de calor, como un carbón encendido a modo de radiador, en alusión a la empresa que representa.
  • Presenta un carácter plano y liso, con un juego de retranqueos y pequeñas terrazas laterales.

Es considerado una obra maestra de Nueva York y puede decirse que es el primer gran edificio del Art Decó.

El Daily News Building (1928): La Sobriedad de Raymond Hood

También en la Calle 42, el Daily News Building, de Raymond Hood (1928), fue concebido para un periódico, con espacio libre para alquilar y una forma de rascacielos retranqueado. Ofrece una imagen más radical de sobriedad. Hood poseía un talento especial para convencer a sus clientes de sus ideas, y este edificio es único en Nueva York en esa época por su imagen. Representa una versión simplificada del Art Decó, más fría y contenida, con una imagen rotunda, sintética y nítida, pero con muchos detalles decorativos y un vestíbulo muy ingenioso y famoso.

El vestíbulo cuenta con pasillos laterales y, en el centro, un cilindro acristalado negro (evocando un templo sagrado). En el centro (donde estaría el altar) se encuentra un globo terráqueo que gira con retroiluminación desde el suelo, reflejándose en el cristal negro y creando una atmósfera misteriosa. Este vestíbulo se hizo tan famoso (apareciendo en películas como Superman) que se tuvo que abrir otra puerta para los empleados, debido a la gran afluencia de turistas.

El McGraw-Hill Building: Color y Horizontalidad de Raymond Hood

El McGraw-Hill Building, también de Raymond Hood, es uno de los edificios Art Decó más importantes, construido para una editorial. Situado al otro lado de la isla, junto al río Hudson, es un edificio singular que continúa con el gusto por las formas simples y la ausencia de decoración, suplida con recursos como el color verde y los ladrillos de colores (que desde lejos parecen verdes, pero al acercarse revelan su variedad cromática).

El vestíbulo Art Decó presenta elementos decorativos y un juego de contrapeso: ventanas verticales, pero los escalonamientos parecen cajas superpuestas, lo que aporta una gran horizontalidad, serenidad y armonía. Es un edificio inconfundible por la peculiaridad de su parte superior, con elementos Art Decó, una tipografía muy estudiada, flores abstraídas, triángulos tensos y horizontalidad en los laterales con los ladrillos. La entrada se sitúa en los laterales, evocando la idea de libros, del saber, del tiempo, ¿quizás la imagen de libros apilados uno encima de otro? Es un edificio mucho más simple en su ornamentación, reducida al mínimo, con un lenguaje sencillo y texturas diferentes.

El Rockefeller Center: Un Complejo Urbano de Morris y Hood

El estudio inicial para el Rockefeller Center fue realizado por Benjamin Wistar Morris en colaboración con otros arquitectos. Este complejo presenta un urbanismo único, ligado a la personalidad de Nelson Rockefeller, quien adquirió tres manzanas con la idea de unirlas y crear allí una serie de instituciones culturales y una plaza. Se proyectaron varios rascacielos, una gran sala de música y espectáculos, dedicando el conjunto a la industria del arte y la comunicación.

  1. Morris: El primer proyecto evolucionó y cambió.
  2. Hood: Las ideas se encauzaron y apareció el proyecto definitivo: una plaza, edificios muy bajos, una calle llena de tiendas que desemboca en la plaza y un edificio más alto (el General Electric Building), asimétrico y con alturas diferentes.

El conjunto tuvo tanto éxito que se amplió a las parcelas traseras, pero las originales son obra de Hood. Comparte con el estilo Art Decó la planta baja con sus elementos decorativos (temas mitológicos y del progreso) y los vestíbulos, revestimientos de piedra, verticalidad, sencillez y lisura, modernidad industrial, y el gusto por lo escalonado y piramidal. Incluye innovaciones como jardines colgantes en las terrazas superiores, con formas geométricas, simplificadas y sencillas, que se extienden por todo el Rockefeller Center. Los patrones de ventilación y el remate de la cornisa con pequeñas figuras geométricas son notables. Desde abajo, el escalonamiento se aprecia muy bien, transmitiendo el dinamismo del progreso, una expresión de la modernidad de los rascacielos del Rockefeller Center.

Se puede acceder al vestíbulo, donde el trabajo del Art Decó se manifiesta en el diseño gráfico, las fachadas planas y las ventanas lisas, evocando movimiento, geometría y abstracción. El espíritu del progreso, la sabiduría y el conocimiento se representan con un compás en las manos, entre nubes y maquinaria. Sobre la puerta principal, se encuentra el genio del progreso. En otra entrada, el bloque de la prensa exhibe una escultura/relieve de Isamu Noguchi que representa de manera Art Decó el progreso, la tecnología y las telecomunicaciones, utilizando material metálico.

En el vestíbulo de entrada, se encargó un mural a Diego Rivera sobre el progreso de la civilización, pero fue despedido y sus murales fueron repintados por el español José María Sert. El mural final de Sert (en blanco y negro) muestra gigantes construyendo el mundo, el Rockefeller Center, y figuras como Abraham Lincoln, barcos y aviones en un torbellino de civilización, exaltando la modernidad. El Art Decó no solo se encuentra en grandes edificios, sino también en pequeños detalles, como la lámpara de los juzgados de entrada, que posee un carácter estético y simbólico, una sensibilidad general, una síntesis de tendencias de vanguardia de la época con un toque tradicional (egipcio, romano), cromado metálico combinado con bronce, creando una imagen atemporal y moderna.

El Art Decó en el Cine: Cedric Gibbons y la Estética Cinematográfica

Cedric Gibbons, diseñador de interiores y escenógrafo, fue contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer como director artístico principal, imprimiendo una estética general Art Decó a sus películas. Trasladó este estilo al cine:

  • Su casa: Diseñada para él y su esposa, Dolores del Río, una casa fantástica con objetos y decoración Art Decó.
  • The Women: Decorado de un gran almacén, una tienda moderna que mezclaba elementos antiguos y modernos, con un toque de fantasía propio del cine de la época, optimista y con una imagen de progreso. Incluía un tablero de cristal (estilo Bauhaus) y patrones de cuñas en el suelo.
  • El Asunto de una Mujer (A Woman’s Affair): Interior de una casa impresionante, moderna, austera y simple, con juegos de escalonamiento, lámparas y estatuas típicas del Art Decó (mujeres bailando).
  • Gran Hotel: Todos los decorados, puertas giratorias, carpinterías, iluminación y ondulaciones eran muy modernos y Art Decó. El vestíbulo principal utilizaba formas circulares, patrones antiguos (suelo ajedrezado) y una escalera curva monumental con barandillas de diseño Art Decó.
  • Melodías de Broadway: Siluetas de rascacielos en la escenografía.

Incluso en películas de ciencia ficción y fantasía, el Art Decó aparece (como en Just Imagine). La maqueta más grande del cine, con gran influencia de la arquitectura Art Decó, presentaba terrazas, elementos verticales y una forma piramidal. En Things to Come, se muestra una ciudad subterránea Art Decó con luz indirecta y un tipo de sillas y mesas que combinan Art Decó y vanguardia. Stephen Goosson (en Horizontes Perdidos) diseñó una ciudad con un diseño Art Decó, cúbica, con elementos decorativos y la estética típica del estilo.

Bauhaus (1919-1933): El Movimiento Moderno y la Casa de la Construcción

La Bauhaus, fundada en 1919, fue una escuela estatal financiada por el gobierno alemán. Su traducción literal es «la casa de la construcción», pero en realidad significaba «el lugar donde se va a construir un mundo nuevo». No era fundamentalmente una escuela de arquitectura, sino de diseño. Su creación se dio en una época de revoluciones, donde la guerra había arrasado muchos movimientos anteriores. Henry van de Velde enseñó diseño a los alemanes y creó la Escuela de Artes Aplicadas de Weimar, con edificios sencillos, donde comenzó la Bauhaus. En 1919, la escuela se reorganizó y Walter Gropius fue llamado para hacerse cargo de ella, marcando dos épocas, la primera más corta.

El Monumento a los Caídos de Marzo, que los nazis destruyeron, presentaba una serie de picos, planos torcidos, con componentes modernos y antiguos, pero enormemente abstractos; en lugar de estatuas, un monumento abstracto, el primero moderno de 1920. Esta estética predominó en la primera etapa. Gropius pidió a Lyonel Feininger un emblema para la Bauhaus: un grabado en madera con planos triangulares, una composición abstracta, estética de picos y estrellas (símbolos antiguos, la catedral como símbolo espiritual), una mezcla de lo antiguo y lo moderno.

Esquema de Gropius sobre el Sistema de la Bauhaus

Gropius diseñó la enseñanza con un curso preliminar de fundamentos (formas y materiales) para que los alumnos adquirieran una nueva visión de las cosas. En el primer círculo, se estudiaba la naturaleza, el color, la luz, los espacios y la composición de una manera más directa que en las escuelas convencionales. En el siguiente círculo, se realizaban talleres (cristal, piedra, colores, metal…), especializándose y obteniendo finalmente un diploma de licenciado de la Bauhaus. Antes existía la opción de obtener el título de ingeniería para integrar todo en una gran construcción, aunque esto no era estrictamente necesario. Este sistema se asemeja mucho a los planes de estudio actuales. Contaban con profesores muy importantes, que eran grandes artistas.

Profesores Destacados de la Bauhaus

  • Josef Albers: Profesor extraordinario y muy carismático, fascinaba a sus alumnos. Diseñaba su propia ropa y se rapaba el pelo (pintor y diseñador). Un personaje carismático que inculcaba sus pensamientos a sus alumnos.
  • Alma Müller (casada con Gropius): Tenía pensamientos pacifistas y espirituales que representaban muy bien la primera etapa.
  • László Moholy-Nagy: Constructivista, muy cercano al comunismo. Se marchó y su puesto fue ocupado por Moholy-Nagy, quien hizo hincapié en el movimiento industrial, lo que supuso un gran cambio para la Bauhaus y su segunda etapa.

Primera Etapa: Espiritual vs. Segunda Etapa: Industrial

  • Lyonel Feininger: Formas lisas, puras, planos de luz, pintor muy visual.
  • Joost Schmidt: Aproximación al diseño holandés, construcciones curvas, rectas, abstracto, pero que sugería movimiento, aceleración, texturas, transparencia. Diseñó la Bauhaus de la segunda etapa.
  • Wassily Kandinsky: Profesor y artista abstracto, donde desaparecen las formas y objetos reconocibles, con figuras que se intersecan. Su etapa fue cada vez más abstracta, capaz de crear una historia. Autor del libro De lo espiritual en el arte.
  • Paul Klee: Pintor e investigador del arte de lo irracional, los miedos, los deseos, a través del inconsciente, con perspectiva difusa, colores delicados, líneas que se interrumpen, acuarelas que evocan paisajes que no se representan directamente.

El Despacho de Gropius en Weimar: Síntesis de Estilos

La imagen del sofá en el despacho de Gropius en Weimar muestra cómo redecoraba utilizando la menor cantidad de objetos posible. Objetos y colores con formas que los holandeses estaban poniendo de moda, creando un espacio muy holandés. Una lámpara de cristal con tulipa opalescente (diseño de la Bauhaus), un estante de cristal y una alfombra Bauhaus que recuerda a Klee. Todo es una síntesis de estilos.

Oskar Schlemmer diseñó un nuevo sello con líneas claras, geometría y abstracción total, que representaba muy bien el espíritu de la segunda Bauhaus: líneas finas y gruesas que formaban un rostro abstracto, el hombre moderno abstracto.

Sede de la Bauhaus en Dessau (1925): El Estilo Internacional

El ambiente en Weimar se volvió cada vez más hostil, y la escuela tuvo que trasladarse en 1925. Coincidiendo con esto, el alcalde de Dessau ofreció a Gropius dinero y terreno a cambio de trasladar la escuela. Gropius aceptó la oferta, y se construyó el edificio principal, las casas de los profesores y una cooperativa, inaugurando así la etapa más importante de la Bauhaus, que dio origen al estilo internacional y al movimiento moderno.

Edificio Principal de Dessau

El edificio principal es un bloque donde cada volumen está relacionado con su funcionalidad. Entre los pilares hay mucho espacio libre. Un bloque residencial albergaba a los estudiantes becados, y la escalera Bauhaus es notable. El edificio pasa por encima de la carretera principal, con muchas características industriales. Fue uno de los primeros muros cortina de la historia. Hoy en día está restaurado (tras bombardeos e incendios) y sigue siendo una escuela de diseño, aunque no tan famosa. En el interior, un cuerpo que pasa por encima de la carretera alberga aulas para corregir proyectos. El letrero fue diseñado por profesores de diseño gráfico, como Oskar Schlemmer, escultor, pintor y profesor. La Bauhaus defendía que todo lo industrial era bueno; por muy industrial que fuera el mueble, era caro debido a los buenos materiales utilizados. Lo más divertido que hizo Schlemmer fue el taller de baile, donde incluso diseñaba los trajes.

Casas de los Profesores

Las casas de los profesores, diseñadas para tres familias, incluían en la parte superior una casa para invitados. Eran cúbicas, de estética sencilla, con grandes ventanales para el estudio.

Estudio del Profesor Feininger

La típica casa, con espacios muy grandes (donde hacía mucho frío), muy luminosos y espaciosos, era una casa bifamiliar.

Casa de Gropius

La casa de Gropius presentaba líneas lisas, sin decoración, y ventanas enrasadas, marcando el inicio de la arquitectura de cubos blancos. Hay una influencia de Adolf Loos. La planta tiene un componente industrial con interiores desnudos, decorados con productos de la Bauhaus, como el sillón Wassily (de Marcel Breuer), una silla que parece flotar. La mesa, las estanterías planas, todo liso, sencillo y simple, diseñado en la Bauhaus y expuesto como propaganda.

Kornhaus, Carl Fieger

El Kornhaus, de Carl Fieger (profesor), funciona hoy en día como cafetería-restaurante. Mantiene la estética de la escuela, con alfombras Bauhaus, taburetes, apliques e incluso la carta al estilo Bauhaus.

Una foto de la azotea del edificio principal muestra a Gropius dirigiendo la escuela hasta 1928. Era un hombre tolerante, inteligente, que no se creía un genio y reconocía el talento de los demás. La foto es un homenaje a él con los profesores, un resumen de los grandes artistas y creadores del siglo XX. Fue un gran director.

  • Hannes Meyer: Le sustituyó como director durante unos años, pero fue despedido. Era dogmático, comunista, y todo tenía que ser a su manera, con énfasis en la industria. Politizó la escuela hacia la extrema izquierda, lo que provocó su salida.
  • Mies van der Rohe: Fue el tercer director de la escuela, y también tuvo que marcharse. Convirtió la Bauhaus en un estudio de arquitectura. En 1933, la escuela cerró en Dessau y se trasladó a Berlín, pero las autoridades nazis la clausuraron por sus pensamientos liberales. Los edificios de Dessau fueron convertidos en una escuela nazi y luego en una fábrica de armas. Cuando Gropius se fue, muchos profesores también lo hicieron, marcando el declive de la escuela.

American Streamline Moderne: La Estética de la Velocidad y el Progreso

El American Streamline Moderne, de aspecto aerodinámico, fue una corriente dominante en la época, y las campañas publicitarias presentaban objetos de este estilo. Estaba relacionado con la importancia que se le daba a la velocidad en los años 20 y 30, cuando comenzaron a construirse los primeros aviones y las grandes máquinas se veían como elementos del mundo moderno, augurando un progreso mejor y una visión utópica del mundo de las máquinas. Esta imagen limpia y veloz tenía un gran simbolismo y dio lugar a una estética que se manifestó en edificios y diseños. Por ejemplo, los pasamanos del Rockefeller Center fueron diseñados con un movimiento acelerado, dando sensación de trabajo, siendo expresivos y funcionales.

Ejemplos Notables del Streamline Moderne

  • Decorados para Things to Come (1936), Vincent Korda: Al imaginar el futuro, se pensó en formas curvas, un futuro aerodinámico y muros lisos.
  • Robert V. Derrah, Sede de Coca-Cola, Los Ángeles: El edificio, con forma de barco, simbolizaba el progreso y la tecnología que transformaba el mundo. Una imagen de progreso de principios de los años 30, ingeniosa, con un puente con un radar decorativo, remaches, pernos metálicos y pasarelas. Estaba organizado con esquinas curvas, impostas horizontales y líneas paralelas que evocaban la velocidad, una convención gráfica.
  • Hoffman’s Cafetería, Miami, Henry Hohauser: Parece un encuentro de dos trenes que se cruzan en la esquina, con un letrero vertical y repetición de líneas y remates horizontales. Se empezó a entender la arquitectura moderna, lo horizontal y lo vertical.
  • Hotel Crescent, Miami: Un edificio modesto que alude al mundo del transporte, con marquesinas de barco y bandas alternas que se curvan. Iluminado con neones, que formaban parte de la decoración, percibiendo solo la luz y no el volumen del edificio.
  • The Clyde, Miami, Lawrence M. Dixon: Un edificio cubista, con la imagen de la velocidad expresada en las ventanas horizontales y las líneas verticales. Con mucha vanguardia y Art Decó. La parte superior, forrada de mármol, sobresale, y la escala es importante. Edificios utópicos, imagen del futuro.
  • Academy Theater, Los Ángeles, S. Charles Lee: Arquitecto experto en cines, que al principio tenía una estética histórica y luego evolucionó a un estilo más moderno. Este cine, el más famoso, evocaba una máquina, un barco, con elementos muy abstractos que sugerían esa imagen. Una cristalera curva enlazaba elementos horizontales y verticales, aludiendo al mundo del viaje, con una pasarela que salía del edificio.

Diseñadores Clave del Streamline Moderne

  • Norman Bel Geddes: Uno de los diseñadores más importantes del proyecto, autor del artículo sobre Streamlining. Diseñó un pabellón entero para coches, una representación de libertad, donde el americano medio podía tener un coche. General Motors le encargó un lugar cubierto para una performance. Con paredes curvas, una ranura en el paramento liso y abstracción en las letras, se accedía a un juego de luces y maquetas llamado Futurama. Había sillas sobre una pasarela mecánica desde donde se mostraba una maqueta de cómo sería la ciudad del futuro, su arquitectura y edificios, con formas curvas, combinación de rascacielos con edificios más bajos, tráfico y zonas públicas. Al terminar la maqueta, se salía a una zona donde se había construido parte de la maqueta a tamaño real, aunque los coches eran de la época. Integró distintas disciplinas del mundo del diseño, con barandillas lisas y elementos curvos. Diseñó prototipos de automóviles y aviones con estética aerodinámica. También creó una medalla conmemorativa de 1933 con letras de estética Bauhaus y muchos productos, expresivos y con una estética diferente.
  • Henry Dreyfuss: Diseñador de máquinas de tren, cuyos diseños llegaron a construirse. Creó una especie de cilindro con forma de cohete, con un faro partido por una aleta y rejillas de ventilación. Inventó un coche volador, una avioneta con un coche debajo. Hizo negocio con productos.
  • Walter Dorwin Teague: Diseñó gasolineras, marquesinas, líneas, surtidores y piezas menores, combinando Bauhaus y Art Decó. También construyó un pabellón de las industrias químicas, con formas circulares y representaciones de carácter simplificado. Su diseño más popular fue la radio Bluebird Radio, azul metalizado, con líneas paralelas que significaban las ondas de radio, forma curva y alusiones al progreso.
  • Raymond Loewy: Famoso diseñador entre los cincuenta y sesenta. Diseñó interiores y objetos, y creó una campaña aerodinámica para Greyhound Lines, buscando una imagen nueva, con una sensación gradual por el metal del automóvil y una cabina acristalada. Diseñó para Studebaker, algo muy solicitado. Trabajó como escaparatista, combinando la decoración clásica con formas Bauhaus. También diseñó otros productos, logotipos y el avión del presidente.

Le Corbusier: La Revolución de la Arquitectura Moderna

Le Corbusier tuvo una gran influencia en cómo vemos los interiores, aunque también recibió mucha crítica. Se presentó como un revolucionario, publicando artículos como Hacia una arquitectura, manifiestos políticos donde hablaba de la necesidad de reformar la sociedad y sustituir la forma tradicional de ver la realidad por una nueva, buscando una tabla rasa (empezar desde cero). Se veía a sí mismo como un dios de la arquitectura, muy mesiánico y presentándose como un gran renovador. Conocía la Sezession y tenía relación con otros grandes arquitectos. Trabajó con Auguste Perret, quien fue su maestro, ya que Le Corbusier no estudió arquitectura, sino la especialidad suiza de relojería. En Bellas Artes, comenzó a interesarse por la arquitectura. Se trasladó a París, centro del arte moderno, y en 1919, después de la Primera Guerra Mundial, comenzó a desarrollar propuestas revolucionarias. Todo lo que sabía de construcción lo aprendió de Perret.

Conceptos Fundamentales de Le Corbusier

  • Dom-ino: Un sistema único, completamente de hormigón armado, con escaleras y plantas libres.
  • Maison Citrohan: Una propuesta de casa que luego construyó, financiada por Citrohan. La Maison Citrohan sirve para explicar los cinco puntos de Le Corbusier:
  1. Pilotis: Columnas que elevan el edificio sobre el suelo, protegiendo la casa de la humedad y permitiendo aprovechar la parte inferior.
  2. Ventana alargada: Puede tener muchas formas, la más famosa es horizontal, ya que nos movemos de forma horizontal y pueden ocupar todo el frente del edificio.
  3. Fachada libre: Una fachada puede ser completamente lisa y otra con ventanas; la construcción no determina cómo deben ir las ventanas.
  4. Planta libre: Planta libre gracias a paredes fragmentarias.
  5. Cubierta jardín / Techo terraza: No se necesita un tejado; la cubierta puede ser plana y aprovecharse para vivir en ella o tener un jardín.

Le Corbusier defendía los edificios industriales con sus formas simples, afirmando que la arquitectura debía ser como ellos. Su argumentación por analogía introdujo la idea de eliminar todo lo que viniera del pasado. «La casa es una máquina para habitar» es una de sus frases más famosas, sugiriendo que debe ser como un coche o un avión, ya que las máquinas representan el progreso y la salida de la pobreza. También fue pintor, inventando el purismo, similar al cubismo, y pintó durante toda su vida con una visión maquinista, simplificada, geométrica y matemática.

Urbanismo de Le Corbusier: La Ciudad del Futuro

La influencia de Le Corbusier en la concepción de la ciudad fue muy importante. Proclamaba «muerte a la calle», considerándola un problema. El modelo de calles tradicional (Rue Corridor) era deficiente para la circulación y la higiene, ya que las ciudades eran muy antihigiénicas. Propuso los Immeubles-Villas, bloques con multiplicación de viviendas que permitían la circulación y ofrecían muchas zonas verdes.

  • Proyecto para una ciudad contemporánea de tres millones de habitantes: Este proyecto influyó en la construcción de otras ciudades, con bloques de oficinas, bloques de viviendas y zonas verdes.
  • Plan Voisin: Un plan de urbanismo para París que proponía derribar y construir autopistas y rascacielos. Lo presentó en la Exposición de las Artes de París en 1925. El academicismo lo rechazó, y el proyecto recibió muchas críticas, lo que llevó a Le Corbusier a defenderse de los academicistas que defendían la arquitectura del pasado.
  • Villa Savoye, Poissy: Su obra más famosa, una arquitectura de vanguardia. Situada en una parcela en el campo cerca de París, aplica los cinco puntos de la arquitectura de Le Corbusier. La parte baja es curva; el coche entra por la derecha, pasa por debajo, gira y sigue hasta el garaje. Defendía la vida evolucionaria, pensando que recorrer el espacio de manera dinámica era importante, por lo que incorporó una rampa. En la primera planta, hay un salón, una oficina, una terraza, la rampa, las escaleras y un espacio de circulación, además de dormitorios.
  • Capilla de Notre-Dame du Haut de Ronchamp: Una imagen de cómo podía ser un espacio religioso para el siglo XX, descompensada, sin decoración aplicada, con fachada y planta libre, huecos desproporcionados, muebles modernos y una ranura entre el edificio y el techo.

Modernismo: La Síntesis de los Años Cincuenta y la Arquitectura en Madrid

La síntesis de los años cincuenta en el Modernismo vio a figuras como Eero Saarinen, quien proyectó la terminal de la TWA y también diseñó mobiliario. Charles y Ray Eames diseñaron mobiliario, mezclando el estilo Bauhaus y el estilo aerodinámico.

Madrid 1910: Una Capital Cosmopolita en Transformación

Madrid, con su capitalidad reciente (1561 por Felipe II) y un asentamiento árabe previo, era un puesto defensivo. Desde la cornisa del Manzanares era fácil de defender, pero era una ciudad con muchos desniveles y complicada de edificar. Se desarrolló hacia la Castellana, un terreno más plano. No está claro por qué se decidió que fuera capital; hubo muchos problemas, no había banqueros, ni clase media… Hasta 1910, año en que se abrió la Gran Vía, era un «poblachón manchego», sin grandes palacios, con casas bajas. El siglo XX fue el año de la modernización de la ciudad, partiendo de premisas muy modestas. El Cuadro de David Roberts, quien tenía Andalucía como uno de sus lugares favoritos de España, también se movió por Madrid y la dibujó, mostrando personas típicas de la ciudad, vestidas a la antigua. La pintura del Paseo del Prado muestra el Parque del Retiro, el único lugar donde la gente iba a pasear.

Casa de Tomás Allende (1916), Leonardo Rucabado

La Casa de Tomás Allende (1916), de Leonardo Rucabado, es un edificio que imita estilos españoles del pasado, como la arquitectura clasicista del Palacio de Carlos V o la Casa de las Conchas. El arquitecto, cántabro, realizaba edificios del norte. Superpone los estilos, utilizando ladrillo, piedra y elementos colgantes. Es un edificio modernista con libertad compositiva, que cambia el alzado de forma orgánica. La planta, en una parcela complicada, desarrolló el torreón para ofrecer vistas y monumentalidad, con espacios comerciales y generosos. La decoración es abundante, con cierta elegancia y desarrollo, destacando el trabajo de la madera, el estuco y la piedra. Los detalles, como el ladrillo trabajado en patrones decorativos horizontales y verticales, se combinan con cerámica vidriada.

Casa dos Portugueses (1919)

La Casa dos Portugueses (1919) es un ejemplo de Modernismo con líneas rectas, elementos curvos y una estructura de hierro clásico donde los elementos de hierro desaparecen. Los elementos decorativos recuerdan a Adolf Loos. Un templete persa le da un toque oriental, y el juego de terrazas que entran y salen aporta una originalidad tremenda. Es un edificio del siglo XX con un estilo similar al Modernismo, combinando cerámica y ladrillo.

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